El bosque — La villa de los giros que no giran

El celuloide cruje bajo el peso de las expectativas cuando el nombre de M. Night Shyamalan aparece en pantalla. Corría el año 2004, y el director indio, tras el terremoto cultural de El sexto sentido y el notable éxito de Señales, ya se había convertido en el rey Midas de los giros argumentales. Pero aquí, en El bosque —o The Village, para los puristas que prefieren el título original como si eso le diera más pedigree—, el oro se transmutó en un material altamente inflamable. No es que Shyamalan perdiera su toque mágico; es que decidió usarlo para polarizar por completo a la cinefilia mundial en un debate que, más de dos décadas después, sigue echando humo. Construyó una aldea de estética ultracalculada donde las opiniones se despedazaron: para unos, una genialidad incomprendida; para otros, un sermón pretencioso cuyo giro final dividió al público entre el aplauso y el bostezo. La pregunta no es qué salió mal, sino cómo algo tan visualmente exquisito puede despertar pasiones tan radicalmente opuestas.
​La gestación de El bosque es un estudio de caso sobre la hybris de un director que, en su momento de mayor gloria, se creyó invulnerable ante las expectativas de la industria. Tras el éxito de Señales, Shyamalan tenía el mundo a sus pies: estudios dispuestos a financiar cualquier cosa que escribiera en una servilleta, actores de primera fila haciendo cola para trabajar con él y una legión de fans esperando el próximo giro que les dejara boquiabiertos. Pero en lugar de entregar el thriller comercial que Disney esperaba vender en los tráilers, decidió refugiarse en su propia fórmula autoral: un grupo de personajes atrapados en un microcosmos claustrofóbico, una amenaza externa que resulta ser interna, y un desenlace que redefinía todo lo visto. El problema es que, en 2004, una parte del público ya iba con el colmillo retorcido, dispuesta a desmontar el truco antes de que el mago subiera al escenario, mientras que la otra se dejaba llevar por una fábula que funcionaba a un ritmo radicalmente distinto al del Hollywood de la época.
​El clima cultural tampoco ayudó. Estados Unidos vivía sumido en la paranoia post-11S, con la administración Bush vendiendo miedo en cada informativo. El bosque encajaba perfectamente en ese zeitgeist: una alegoría evidente sobre el aislamiento, el control y la manipulación, donde una comunidad decide vivir en la ignorancia autoimpuesta para protegerse de un mundo exterior corrupto. Pero aquí está la paradoja: mientras el país real se desangraba en la geopolítica del miedo, Shyamalan nos ofrecía una fábula cruda sobre un pueblo que elige no saber como mecanismo de defensa. Para la crítica más hostil, el mensaje resultó de un subrayado casi infantil; para sus defensores, una radiografía sociopolítica brillante y muy valiente. En cualquier caso, Shyamalan, en su afán por consolidarse como el nuevo Hitchcock, estiró tanto la cuerda del suspense psicológico que terminó rompiendo la paciencia de la mitad de las salas de cine, dejando claro que no buscaba la complacencia, sino el impacto divisivo.
​Y luego está el elefante en la habitación: el giro. O, mejor dicho, el gran cisma de 2004. Porque, seamos claros, el famoso «momento Shyamalan» de El bosque provocó una fractura total en la audiencia. Hubo espectadores que lo vieron venir desde el primer fotograma, acusando al guion de ser perezoso y tramposo por esconderse detrás de un biombo de papel de seda. Para ellos, la revelación final fue un bostezo colectivo que rompía el pacto de lectura. Sin embargo, no se puede negar la otra cara de la moneda: una enorme porción del público se quedó genuinamente descolocada ante un desenlace que cambiaba las reglas del juego y transformaba el terror fantástico en un desgarrador drama humano. ¿Truco de magia barato o deconstrucción brillante del mito? Lo único seguro es que El bosque no dejó a nadie indiferente y se convirtió en una de las cumbres de la controversia cinematográfica moderna. El público acudió en masa a comprobarlo: la película recaudó la friolera de 256 millones de dólares en todo el mundo. Un éxito comercial incontestable, por mucho que a sus detractores les duela admitir que la taquilla sí se postró a sus pies.
​La dirección: Un ejercicio de estilo sin sustancia
​M. Night Shyamalan dirige El bosque como si estuviera filmando un anuncio de alta costura: con una estética impecable que a ratos nubla la narrativa. Cada plano está compuesto con la precisión de un cirujano, cada encuadre parece sacado de un cuadro prerrafaelita, y la fotografía de Roger Deakins es, sin discusión alguna, una obra maestra de la luz. Pero el problema es que, detrás de tanta belleza visual, el ritmo se vuelve lento como un funeral en invierno. Shyamalan se toma tanto tiempo para construir la atmósfera que la tensión termina mutando en letargo para aquellos que buscaban un filme de monstruos convencional.
​Y hablando de las criaturas, el diseño práctico de los "Aquellos de los que no hablamos" es otro de los grandes campos de batalla de la película. Mientras que un sector de la crítica se mofó de ellos afirmando despectivamente que parecían disfraces de saldo sacados de una serie infantil de acción, muchos otros destacaron precisamente el acierto de su diseño rústico, argumentando que esa tosquedad y el uso desasosegante del color rojo transmitían una inquietud primitiva y teatral muy acorde con el engaño de la aldea. Lo que sí es un hecho indiscutible es que el guion y el desenlace fueron señalados de forma casi unánime como los puntos más débiles e irregulares del metraje, empañando un envoltorio técnico que rozaba la perfección.
​Si hay algo que define el apartado lírico de El bosque es su pretensión de profundidad en los diálogos. Los personajes hablan con una solemnidad casi bíblica que camina por la cuerda floja entre la poesía y la cursilería. Frases sobre el miedo y la pureza se repiten con una grandilocuencia que busca la trascendencia espiritual, pero que a menudo peca de una rigidez teatral extrema. Esta falta de naturalidad provocó que directores de casting y críticos se tiraran de los pelos al ver cómo una propuesta tan potente encorsetaba a veces el talento de sus intérpretes en favor de una parábola abstracta.
​Los actores: Un reparto de lujo bajo la lupa
​Hablar del reparto de El bosque es adentrarse en uno de los puntos más curiosos de su recepción crítica. Tienes un elenco deslumbrante que incluye a leyendas como Sigourney Weaver y William Hurt, junto a talentos desbordantes de la época como Adrien Brody y Joaquin Phoenix. Aunque una parte de la crítica lamentó que figuras de la talla de Weaver o Brody quedaran relegadas a roles secundarios excesivamente desdibujados o caricaturescos, la realidad de las crónicas de la época nos muestra una verdad muy distinta para el trío protagonista.
​Incluso entre los analistas más tibios con la película, hubo un consenso generalizado a la hora de elogiar con fervor las interpretaciones de Bryce Dallas Howard, Joaquin Phoenix y William Hurt. Howard, en el papel de la joven ciega Ivy Walker, cargó con el peso emocional de la película en su primer gran papel protagonista, ofreciendo una actuación llena de vulnerabilidad, coraje y una luz ciega que conmovió a la mayoría. A su lado, Phoenix dotó a Lucius Hunt de una intensidad contenida y una mirada melancólica que elevaba el romance por encima del guion, mientras que Hurt aportó la gravitas y la dignidad necesarias para sostener el peso moral del secreto de los fundadores. El material de Shyamalan podía ser discutible, pero el trío principal demostró que la carne y el hueso podían brillar con luz propia a pesar de las rigideces del libreto.
​El apartado técnico: La luz al final del túnel (que no lleva a ninguna parte)
​Si hay un terreno donde El bosque pone de acuerdo a amigos y enemigos de Shyamalan, es en su apartado técnico. Aquí no hay debate posible: estamos ante una cumbre artesanal de la década de los 2000. Roger Deakins, con su maestría habitual, convierte cada plano en una auténtica pintura en movimiento. La fotografía es tenebrista, lírica y sobrecogedora, con una paleta de colores que oscila entre los ocres otoñales y el amarillo prohibido. Hay momentos en los que la luz parece respirar entre la niebla del bosque, justificando por sí sola el visionado de la película.
​El diseño de producción, por su parte, es de un detallismo obsesivo. La aldea de finales del siglo XIX fue construida de la nada con una fidelidad histórica pasmosa, recreando casas de madera, herramientas y caminos con texturas absolutamente orgánicas. Sin embargo, para los detractores del filme, esta perfección formal jugaba en su contra, dotando a la comunidad de una artificialidad de parque temático que delataba el truco antes de tiempo, mientras que sus defensores alababan esa atmósfera suspendida en el tiempo como el marco ideal para una fábula moral.
​La banda sonora de James Newton Howard merece una mención aparte, ya que fue justamente nominada al Oscar y es considerada una de las mejores partituras de su carrera. El uso del violín solista, melancólico, desgarrador y profundamente épico, inyecta a las imágenes la emoción y el suspense que el guion de Shyamalan a veces es incapaz de generar por sí mismo. El montaje, en cambio, vuelve a dividir las aguas: pausado, contemplativo y estirado hasta la extenuación para unos; una lección de tempo cinematográfico y cocción lenta de la tensión para otros.
​Lo mejor
​La fotografía de Roger Deakins: Un ejercicio insuperable de maestría visual que dota a la película de una belleza plástica incuestionable.
​La banda sonora de James Newton Howard: Una partitura magistral, melancólica y merecidamente nominada al Oscar que eleva el listón emocional del film.
​El trío protagonista: Las excelentes e incontestables interpretaciones de Bryce Dallas Howard, Joaquin Phoenix y William Hurt.
​El éxito comercial: Una recaudación mundial de 256 millones de dólares que demostró el enorme poder de convocatoria de Shyamalan.
​Lo peor
​El guion de M. Night Shyamalan: Irregular, pretencioso en sus diálogos y ampliamente señalado como el eslabón más débil de la producción.
​El giro final: Una de las resoluciones más polarizantes de la historia del cine, que dejó a media audiencia sintiéndose estafada.
​El ritmo cinematográfico: Su ritmo pausado y denso camina peligrosamente entre la atmósfera hipnótica y el aburrimiento exasperante.
​El reparto secundario desaprovechado: Actores de la talla de Sigourney Weaver o Adrien Brody atrapados en personajes que daban para muchísimo más.
​El Veredicto de Claqueta Ácida
​El bosque no es, ni de lejos, el fracaso artístico rotundo que muchos quisieron certificar en su estreno; la realidad es que estamos ante una de las películas más fascinantes, debatidas y divisorias de la filmografía de M. Night Shyamalan. Visualmente incontestable gracias al tándem Deakins-Newton Howard y defendida a capa y espada por las soberbias actuaciones de su trío protagonista, la cinta tropieza en las costuras de un guion obsesionado con su propia trascendencia y en un giro final que dinamitó a la audiencia en dos bandos irreconciliables. No es una obra maestra indiscutible, pero tampoco un desastre menor: es un experimento de autor camuflado de blockbuster que reventó las taquillas mundiales con 256 millones de dólares mientras provocaba una de las mayores batallas críticas del siglo XXI. Ideal para ver con una copa de vino y discutir durante horas si Shyamalan es un genio incomprendido o el rey del humo. 💀