Hamnet — Chloé Zhao filma la muerte de un niño y nos arranca lágrimas analógicas

Hamnet no es solo una película; es un exorcismo cinematográfico. Chloé Zhao, tras su desastrosa incursión en el universo Marvel con Eternals —donde demostró que hasta los directores más sensibles pueden vender su alma a Kevin Feige por un presupuesto inflado y un par de efectos digitales—, regresa a lo que mejor sabe hacer: filmar el dolor humano con una honestidad tan brutal que duele más que un puñetazo en el estómago. Y vaya si duele. Hamnet es una obra maestra de la melancolía, una sinfonía visual y emocional que se clava en el pecho como una daga oxidada, girando lentamente mientras susurra: "Esto es lo que se siente perder a un hijo".

La tragedia detrás del genio: Shakespeare como espectador de su propio dolor

Zhao no comete el error de convertir Hamnet en un biopic convencional sobre William Shakespeare. De hecho, el Bardo de Avon (interpretado por Paul Mescal con una vulnerabilidad que roza lo patético en el mejor sentido) es poco más que un fantasma en su propia historia. La película no se centra en el hombre que escribió Hamlet, sino en el vacío que dejó su creación: el hijo que murió, el dolor que se transformó en arte, la esposa que quedó atrás, convertida en un espectro de sí misma. Zhao entiende algo que muchos cineastas olvidan: la grandeza de Shakespeare no está en sus sonetos ni en sus obras, sino en el silencio que las precedió. En el grito ahogado de una madre que ve cómo su hijo se apaga, y en el marido que, incapaz de enfrentar ese dolor, huye a Londres para convertirlo en tragedia.

La estructura narrativa de Hamnet es tan poco convencional como necesaria. Zhao juega con el tiempo como si fuera arcilla, saltando entre el presente devastado de Agnes y los recuerdos de un pasado que ya huele a podrido. El primer acto, con su ritmo pausado y casi onírico, puede descolocar a quienes esperen un drama histórico al uso. Pero es precisamente esa lentitud, esa sensación de que el tiempo se estira como un chicle hasta romperse, lo que hace que la muerte de Hamnet (un niño de once años cuya agonía se muestra con una crudeza lírica que recuerda a El séptimo sello de Bergman, pero sin caballeros jugando al ajedrez con la Muerte) sea aún más insoportable. No hay música dramática que anuncie su final, ni planos subjetivos que nos pongan en su lugar. Solo el sonido de una respiración entrecortada, el crujido de las sábanas y el silencio que sigue.

Jessie Buckley: La actriz que convierte el dolor en arte (y nos deja sin aliento)

Si hay un motivo para ver Hamnet —y créanme, hay muchos—, ese motivo se llama Jessie Buckley. La actriz irlandesa no interpreta a Agnes; la encarna con una intensidad que roza lo sobrenatural. Buckley ya nos había demostrado en I’m Thinking of Ending Things y Wild Rose que es una de las actrices más versátiles de su generación, pero aquí alcanza cotas que pocas intérpretes logran en toda su carrera. Su Agnes es una mujer conectada con la tierra, con las hierbas, con los ciclos de la vida y la muerte. En la primera mitad de la película, es luz: una curandera excéntrica que baila bajo la lluvia, que habla con los árboles y que mira a su marido con una mezcla de amor y lástima. Pero tras la muerte de Hamnet, Buckley se transforma en algo distinto: un fantasma, un espectro de dolor que camina entre los vivos sin pertenecer a ellos.

Lo más aterrador de su interpretación es que no hay histrionismo. No hay gritos, no hay escenas de llanto forzado, no hay esos momentos de "catarsis" que Hollywood tanto adora. En su lugar, hay un silencio que lo dice todo: la forma en que sus manos tiemblan al tejer, la manera en que su mirada se pierde en el vacío mientras su marido le habla desde la distancia, el peso de su cuerpo al sentarse en el suelo como si ya no tuviera fuerzas para sostenerse. Buckley no actúa el dolor; lo vive. Y nos lo contagia.

Paul Mescal, por su parte, cumple con nota, aunque su papel es más limitado. Su Shakespeare es un hombre roto, pero de una manera distinta a Agnes. Mientras ella se sumerge en el luto como quien se ahoga en un pozo, él huye. Huye a Londres, huye al teatro, huye a las palabras. Mescal logra transmitir esa culpa silenciosa, esa incapacidad para enfrentar el dolor de frente. Su química con Buckley es electrizante, pero también dolorosa: son dos almas heridas que se aman, pero que no saben cómo consolar al otro.

La fotografía: Cuando la luz natural se convierte en poesía visual

Chloé Zhao ha construido su carrera en la capacidad de capturar la belleza en lo cotidiano, y en Hamnet lleva esa obsesión a un nuevo nivel. La película está rodada casi en su totalidad con luz natural, y el resultado es una paleta visual que oscila entre lo pictórico y lo brutal. Los interiores, iluminados por velas y chimeneas, tienen la textura de un cuadro de Rembrandt: sombras profundas, rostros medio iluminados, una sensación de intimidad claustrofóbica. Los exteriores, en cambio, son amplios y desolados, con campos de trigo que se mecen bajo un cielo plomizo, como si la naturaleza misma estuviera de luto.

El equipo de fotografía, liderado por un no acreditado pero brillante director de fotografía británico (cuyo nombre merecería estar en los créditos junto al de Zhao), logra algo extraordinario: hacer que la Inglaterra isabelina se sienta viva, sucia y real. No hay aquí el diseño de producción pulido y aséptico de The Crown o Wolf Hall. Las casas huelen a humo y a sudor, las calles están llenas de barro, los rostros tienen arrugas y cicatrices. Zhao no idealiza el pasado; lo muestra tal como era: un lugar hostil, donde la muerte acechaba en cada esquina y la belleza solo podía encontrarse en los pequeños detalles: un rayo de sol filtrándose entre las nubes, el tacto de una mano callosa, el sonido de un niño riendo antes de que la peste se lo lleve.

La banda sonora: El silencio como protagonista

Una de las decisiones más arriesgadas —y acertadas— de Hamnet es su banda sonora. O, mejor dicho, su falta de banda sonora. No hay música extradiegética que guíe nuestras emociones, no hay violines que anuncien la tragedia, no hay coros angelicales que nos digan cuándo llorar. En su lugar, hay silencio. El silencio de una casa vacía, el silencio de una madre que ya no tiene palabras, el silencio de un padre que escribe furiosamente para llenar el vacío.

Cuando la música aparece, lo hace de manera diegética: el sonido de un laúd en una taberna, el canto de los pájaros al amanecer, el crujido de las hojas bajo los pies. Es una elección valiente, pero que funciona a la perfección. El silencio no es ausencia; es presencia. Es el sonido del dolor cuando ya no quedan lágrimas.

Comparaciones cinéfilas: De Bergman a Malick, pasando por el dolor puro

Hamnet bebe de muchas fuentes, pero nunca cae en la imitación. Tiene la crudeza emocional de Persona (1966) de Bergman, esa capacidad para mostrar el dolor sin edulcorantes. Tiene la conexión con la naturaleza de El árbol de la vida (2011) de Malick, aunque sin su misticismo grandilocuente. Y tiene la intimidad desgarradora de Manchester by the Sea (2016) de Kenneth Lonergan, aunque con una elegancia visual que este último nunca alcanzó.

Pero donde Hamnet se diferencia de todas ellas es en su enfoque único sobre el proceso creativo. No es una película sobre cómo el arte nace del dolor, sino sobre cómo el dolor se transforma en arte a pesar de uno mismo. Shakespeare no escribe Hamlet para honrar a su hijo; lo escribe porque no sabe hacer otra cosa. Es su manera de gritar sin que nadie lo escuche. Y Zhao lo entiende perfectamente: el arte no redime, no cura, no devuelve lo perdido. Solo lo inmortaliza.

El ritmo: Un viaje contemplativo que no es para todos

Es cierto que Hamnet no es una película para impacientes. Su ritmo es pausado, casi meditativo, y su estructura no lineal puede descolocar a quienes esperen una narrativa tradicional. Los primeros veinte minutos son especialmente exigentes: Zhao nos sumerge en la vida cotidiana de Agnes y su familia con una lentitud que roza lo hipnótico. Hay escenas que parecen no llevar a ninguna parte —una discusión sobre hierbas medicinales, un paseo por el bosque—, pero que luego se revelan como piezas clave en el rompecabezas emocional de la película.

Para algunos espectadores, esto será una virtud. Para otros, una tortura. Hamnet no es una película que te agarre de la mano y te guíe; es una película que te deja caer en un pozo y te obliga a encontrar la salida por ti mismo. Y en ese sentido, es una experiencia profundamente personal. No todos están preparados para enfrentarse al dolor de frente, sin anestesia.

La metáfora de la peste: Cuando lo obvio se vuelve necesario

Hay un momento en Hamnet en el que la peste se representa de manera casi alegórica: una sombra que se extiende por las calles, un susurro que pasa de boca en boca, una presencia invisible que lo contamina todo. Es una metáfora visual que, en manos de un director menos hábil, habría resultado pretenciosa o incluso ridícula. Pero Zhao la maneja con tanta delicadeza que funciona. La peste no es solo una enfermedad; es el símbolo de todo lo que no podemos controlar, de todo lo que se nos escapa entre los dedos.

Sin embargo, hay que reconocer que, en su tramo central, la película cae en la tentación de subrayar lo obvio. Cuando Agnes camina entre los campos y ve cómo las flores se marchitan a su paso, o cuando el viento apaga las velas de su casa como si la muerte misma estuviera soplando, la metáfora se vuelve un poco demasiado evidente. Son momentos que, aunque bellos, rompen ligeramente la atmósfera de realismo mágico que Zhao había construido con tanto cuidado.

Conclusión: Una obra maestra que duele (y que por eso es necesaria)

Hamnet es una de esas películas que no se olvidan. No porque sea perfecta —nada lo es—, sino porque logra algo que muy pocas películas consiguen: hacerte sentir. Y no ese "sentir" edulcorado y manipulador de Hollywood, sino un dolor crudo, real, que se queda contigo días después de haber visto la película.

Chloé Zhao ha demostrado que su paso por Marvel fue solo un desvío desafortunado en una carrera que, afortunadamente, sigue siendo una de las más interesantes del cine contemporáneo. Con Hamnet, ha creado una obra de arte desgarradora, una sinfonía visual sobre el dolor y la creación que se corona como una de las mejores películas de 2026.

Prepárate para llorar. Prepárate para sentirte incómodo. Prepárate para salir de la sala de cine con el corazón en un puño y la sensación de que acabas de presenciar algo sagrado. Hamnet no es solo cine; es una experiencia espiritual. Y duele como el infierno.

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Lo mejor

• Jessie Buckley convierte el dolor en arte (y nos deja sin palabras): Su interpretación de Agnes es tan devastadora que debería venir con advertencia de contenido emocional.
• La fotografía de luz natural es una clase magistral de cine: Zhao y su equipo logran que hasta el barro parezca poético.

Lo peor

Su ritmo pausado puede ser un suplicio para los impacientes: Si crees que The Tree of Life* es lenta, esto te parecerá una tortura medieval. Algunas metáforas visuales son tan obvias que duelen: La muerte soplando velas es bonito, pero también un poco too much*.

El Veredicto de Claqueta Ácida (9/10)

Hamnet es cine en estado puro: doloroso, hermoso y necesario. Chloé Zhao se redime de sus pecados comerciales con una obra maestra que demuestra que, cuando se trata de filmar el alma humana, pocos directores pueden igualarla. Eso sí, no vayas buscando consuelo: esta película no te lo dará. Te dejará roto, pero agradecido de haber sido testigo de algo tan profundamente humano. Lleva pañuelos. Y un testamento, por si acaso.